Per tre anni ci siamo sentiti ripetere che il mercato dell’arte era in crisi. Gallerie in difficoltà, opere invendute, collezionisti prudenti e artisti emergenti che, dopo aver raggiunto quotazioni astronomiche, si ritrovavano improvvisamente senza compratori. Poi, nel 2026, qualcosa è cambiato.
Nei primi sei mesi dell’anno Christie’s, Sotheby’s e Phillips hanno venduto opere e beni da collezione per 6,68 miliardi di dollari, il 71% in più rispetto allo stesso periodo del 2025. A maggio, durante una sola settimana di aste a New York, sono passati di mano oltre 2,5 miliardi di dollari.
Viene da pensare che la crisi sia finita e che il mercato dell’arte abbia ricominciato a correre. Ma basta guardare meglio quei numeri per accorgersi che non tutti stanno correndo nella stessa direzione.
Mentre un dipinto di Klimt supera i 236 milioni di dollari e Pollock, Rothko e Brâncuși stabiliscono nuovi record, il mercato degli artisti più giovani continua a mostrare segnali di debolezza. Intanto una ricerca rivela che i collezionisti della Generazione Z spendono in arte più dei loro genitori e nonni.
Insomma, il denaro è tornato. Ma quando diciamo che il mercato dell’arte sta bene, di chi stiamo parlando?
Il mercato torna a crescere, ma non tutto il mercato
Secondo l’Art Basel and UBS Art Market Report 2026, curato dall’economista Clare McAndrew, nel 2025 il mercato mondiale dell’arte e dell’antiquariato ha raggiunto i 59,6 miliardi di dollari, registrando una crescita del 4% rispetto all’anno precedente. È il primo risultato positivo dopo due anni consecutivi di contrazione, anche se siamo ancora lontani dai 68,1 miliardi del 2022.
La ripresa, tuttavia, non ha interessato tutti allo stesso modo: le vendite nelle aste pubbliche sono aumentate del 9%, mentre quelle realizzate da mercanti e gallerie sono cresciute soltanto del 2%. Una differenza che diventa ancora più evidente osservando i risultati dei primi sei mesi del 2026.
Secondo Deloitte, le tre principali case d’asta internazionali hanno registrato un aumento del fatturato del 71%. Ma il numero delle aste considerate nell’analisi è cresciuto molto meno, di circa il 10%, mentre il valore medio di un lotto venduto in sala è quasi raddoppiato, arrivando a circa 1 milione di dollari. Sono soprattutto i grandi valori a spingere verso l’alto i risultati.
Il primo semestre del 2025 era stato particolarmente debole e un confronto con un periodo negativo rende più spettacolare qualsiasi recupero. Ma la tendenza è evidente: i grandi collezionisti sono tornati a comprare e le principali case d’asta riescono nuovamente a proporre opere eccezionali.
Chi beneficia davvero di questa ripresa? Vendere un quadro da cento milioni di dollari può essere una splendida notizia per una casa d’aste e per il suo proprietario, ma non significa necessariamente che le migliaia di artisti e gallerie che operano nel resto del mercato abbiano ripreso a prosperare.
Klimt a 236 milioni: quando il mercato cerca certezze
Il 18 novembre 2025, da Sotheby’s a New York, il Ritratto di Elisabeth Lederer di Gustav Klimt viene aggiudicato per 236,4 milioni di dollari: il prezzo più alto mai raggiunto all’asta da un’opera d’arte moderna e il secondo più elevato per un dipinto.
L’opera proviene dalla collezione di Leonard A. Lauder ed è uno dei grandi capolavori della maturità di Klimt. Ma il prezzo non dipende soltanto dal nome dell’artista: contano la qualità del dipinto, la sua rarità, la provenienza documentata, la storia collezionistica e il fatto che opere di questa importanza arrivino sul mercato molto raramente.
Il risultato del Klimt sembra anticipare quello che accadrà pochi mesi dopo. A maggio 2026, Christie’s registra tre nuovi record d’artista: Number 7A di Jackson Pollock viene venduto per 181,2 milioni di dollari, Danaïde di Constantin Brâncuși per 107,6 milioni e No. 15 (Two Greens and Red Stripe) di Mark Rothko per 98,4 milioni. Nella stessa settimana, sedici opere della collezione dell’editore S.I. Newhouse totalizzano oltre 630 milioni di dollari.
Che cosa accomuna queste vendite? Oltre ai nomi universalmente riconosciuti, sono opere di qualità eccezionale, spesso provenienti da collezioni prestigiose e rimaste lontane dal mercato per decenni. In un contesto economico incerto, i grandi compratori sembrano preferire ciò che possiede una reputazione consolidata.
Un Klimt, un Rothko o un Pollock non sono investimenti privi di rischio. Anche un capolavoro può perdere valore, rimanere invenduto o richiedere anni per trovare un compratore. Ma hanno qualcosa che un artista emergente, per definizione, non può ancora avere: una storia critica e commerciale sufficientemente lunga da offrire elementi su cui basare una valutazione.
Il mercato sembra cercare certezze. E le cerca soprattutto nelle opere che hanno già attraversato la Storia dell’arte.
Klimt vale più di Cattelan? La domanda è sbagliata
C’è un episodio che mi sembra perfetto per capire quanto sia complicato il rapporto tra arte e denaro.
Nella stessa serata in cui il Klimt supera i 236 milioni di dollari, Sotheby’s vende anche America di Maurizio Cattelan, il celebre water perfettamente funzionante realizzato in oro a 18 carati. Il prezzo finale è di circa 12,1 milioni di dollari, commissioni comprese, a fronte di una base d’asta legata al valore dell’oro contenuto nell’opera.
Da una parte abbiamo un dipinto storicizzato, riconosciuto come capolavoro e conteso dai grandi collezionisti. Dall’altra un’opera concettuale che provoca proprio sul rapporto tra lusso, ricchezza, consumo e valore.
Viene spontaneo pensare che il mercato abbia premiato Klimt e ridimensionato Cattelan, ma sarebbe una conclusione troppo semplice. Il prezzo di un’opera non misura direttamente la sua importanza artistica. Dipende anche dalla domanda, dalla rarità, dal momento della vendita e dalle aspettative degli acquirenti.
E nel caso di Cattelan c’è persino un paradosso: un’opera che mette in discussione il rapporto tra valore artistico e valore materiale viene acquistata a un prezzo vicino a quello del materiale di cui è composta. Difficile immaginare una conclusione più coerente con la provocazione dell’artista.
La Storia dell’arte e il mercato dell’arte non sono la stessa cosa. Un artista può avere un ruolo fondamentale nell’evoluzione del linguaggio artistico senza raggiungere quotazioni milionarie. E un altro può ottenere risultati commerciali eccezionali senza che il suo posto nella storia sia ancora definito.
Il mercato ci dice quanto qualcuno è disposto a pagare oggi per un’opera. Non necessariamente quanto quell’opera sarà importante tra cento anni.
La fine della corsa all’artista emergente?
Se i grandi maestri tornano a stabilire record, una parte dell’arte contemporanea vive una situazione molto diversa.
Secondo i dati Artprice riportati per il primo semestre 2026, l’arte contemporanea rappresenta circa l’11% del fatturato mondiale delle aste, contro il 16% dell’anno precedente e il 23% del 2021: un ridimensionamento significativo, soprattutto se pensiamo all’entusiasmo che aveva accompagnato il mercato degli artisti più giovani durante e subito dopo la pandemia.
In quegli anni alcune opere di artisti poco più che trentenni venivano acquistate in galleria e rivendute all’asta dopo pochi mesi, a prezzi moltiplicati diverse volte. Era una dinamica più vicina alla speculazione finanziaria che al collezionismo: si comprava sperando che qualcun altro, poco dopo, fosse disposto a pagare di più.
Oggi quella corsa si è fermata e per me è una buona notizia.
Un sistema in cui il successo di un giovane artista viene misurato soprattutto dalla velocità con cui aumentano le sue quotazioni rischia di danneggiare proprio chi dovrebbe sostenere.
Quando i prezzi salgono troppo rapidamente, crescono anche le aspettative. E quando l’interesse speculativo si sposta altrove, l’artista può ritrovarsi con una reputazione commerciale compromessa, indipendentemente dalla qualità del suo lavoro.
Il calo delle quotazioni di alcuni artisti emergenti non significa che la loro arte abbia perso valore: una parte del mercato non è più disposta a pagare le cifre di qualche anno fa. Il tempo serve proprio a questo, a distinguere la qualità di un percorso dalle mode del momento. E questa fase può restituire un po’ di spazio a chi compra arte perché vuole davvero convivere con un’opera, non soltanto rivenderla.
La Generazione Z spende più di tutti. Ma quale Generazione Z?
Un altro dato del 2026 ha fatto parecchio discutere. Secondo l’Art Basel and UBS Survey of Global Collecting 2026, i collezionisti appartenenti alla Generazione Z hanno speso in arte, nel 2025, una media di 347.460 dollari a testa, più del doppio rispetto alle altre generazioni esaminate.
Prima di immaginare venticinquenni che rinunciano all’aperitivo per mettere da parte i soldi necessari a comprare un Rothko, però, bisogna leggere bene di chi stiamo parlando.
La ricerca è stata condotta su 3.100 collezionisti con patrimoni elevati, distribuiti in dieci mercati internazionali (l’Italia non c’è): una fascia molto selezionata di persone che dispone già di risorse economiche importanti. Il 40% dei collezionisti della Generazione Z intervistati dichiara di essersi avvicinato all’arte grazie all’influenza familiare, contro il 28% del campione complessivo. Questo non significa che siano tutti eredi di grandi fortune. L’influenza della famiglia può dipendere anche dall’educazione, dall’abitudine a frequentare musei o dalla presenza di una collezione domestica.
Ci ricorda però che il collezionismo nasce anche dalla familiarità con l’arte, oltre che dalla disponibilità economica. Chi cresce in una casa dove si acquistano dipinti, si frequentano gallerie e si discute di artisti parte inevitabilmente da una posizione diversa rispetto a chi scopre quel mondo da adulto.
Il dato pesa ancora di più se consideriamo l’enorme trasferimento di ricchezza che nei prossimi decenni interesserà le nuove generazioni: secondo UBS oltre 83.000 miliardi di dollari. Una parte importante del futuro mercato dell’arte potrebbe dipendere proprio dalle decisioni di giovani che erediteranno non soltanto patrimoni, ma anche collezioni, relazioni e abitudini culturali. Continueranno a privilegiare gli artisti già consacrati oppure utilizzeranno parte di quelle risorse per sostenere nuove ricerche artistiche?
Si compra sempre più direttamente dagli artisti
Tra i dati della ricerca UBS ce n’è uno che ha ricevuto meno attenzione dei record milionari: il 69% dei collezionisti intervistati ha acquistato almeno un’opera direttamente da un artista, attraverso lo studio, una commissione o altri canali diretti.
Le gallerie restano centrali (l’87% del campione ha comprato anche da un mercante o da una galleria), ma i percorsi di acquisto sono più articolati. Un collezionista può scoprire un artista su Instagram, approfondirne il lavoro, incontrarlo durante una mostra, visitare il suo studio e infine acquistare un’opera senza necessariamente passare attraverso una grande struttura commerciale.
È un cambiamento che potrebbe aprire opportunità interessanti, soprattutto per artisti e collezionisti che operano lontano dalle grandi capitali del mercato.
Entrare in contatto con un artista è facile, valutarne il lavoro molto meno. Comprare direttamente richiede attenzione: bisogna conoscere il percorso dell’autore, verificare la documentazione dell’opera, comprenderne il prezzo e possibilmente confrontarsi con persone competenti.
Il 72% dei collezionisti intervistati dichiara di svolgere ricerche autonome prima di acquistare e il 22% utilizza applicazioni o strumenti di intelligenza artificiale come fonti di consulenza e informazione, contro il 4% del 2024. Non sappiamo ancora quanto queste tecnologie influenzeranno le decisioni di acquisto, ma il modo di informarsi sta cambiando, anche in un settore tradizionalmente fondato sulle relazioni personali.
Perché si compra arte? Non soltanto per guadagnare
Quando si parla di mercato dell’arte, quasi tutta l’attenzione finisce sui prezzi: quanto vale un Klimt, quale opera ha battuto il record precedente. Eppure, quando la ricerca UBS chiede ai collezionisti quali siano gli aspetti più importanti nel possesso di un’opera, il 43% indica l’unicità e la rarità. Seguono il riconoscimento da parte degli esperti e l’apprezzamento degli altri collezionisti.
Possedere un’opera che nessun altro può avere significa acquistare qualcosa che va oltre la semplice disponibilità di un oggetto.
C’è il piacere estetico, naturalmente. Ma possono esserci anche il desiderio di distinguersi, il prestigio sociale, la passione per un artista, il rapporto personale con una determinata opera o la volontà di costruire qualcosa da lasciare alle generazioni successive. E poi c’è la dimensione economica.
Non mi scandalizza che chi acquista un quadro da dieci milioni di dollari tenga conto anche del suo possibile valore futuro. Arte e denaro convivono da secoli: dai grandi committenti rinascimentali ai collezionisti contemporanei, il potere economico ha sempre contribuito a determinare cosa venisse prodotto, conservato ed esposto.
Il problema nasce quando il prezzo diventa l’unico criterio di giudizio. Un artista non diventa mediocre perché le sue opere non arrivano alle aste di New York.
E l’Italia? Molta arte, poco mercato internazionale
Nel 2025 gli Stati Uniti hanno rappresentato il 44% del mercato mondiale dell’arte, seguiti dal Regno Unito con il 18% e dalla Cina con il 14%. La Francia, con l’8%, si conferma il principale mercato dell’Unione europea. E l’Italia? Secondo Art Basel e UBS, nel 2025 il mercato italiano ha registrato una flessione del 2%, mentre altri Paesi europei, come Francia, Svizzera e Spagna, sono cresciuti.
Avere uno dei patrimoni artistici più importanti del mondo non basta a diventare una grande piazza commerciale. Contano il sistema fiscale, le norme sulla circolazione delle opere, le infrastrutture commerciali, la presenza di grandi collezionisti, la forza delle gallerie e la loro capacità di costruire relazioni internazionali.
Poi c’è una questione culturale. In Italia siamo abituati a riconoscere l’importanza dell’arte soprattutto quando appartiene al passato: sappiamo di vivere in un Paese straordinario per le opere che custodisce, ma facciamo molta più fatica a costruire attorno alla produzione contemporanea un sistema di attenzione, sostegno e collezionismo altrettanto riconoscibile. Ci sono gallerie, fondazioni, musei e collezionisti che fanno un lavoro importantissimo, ma come Paese continuiamo ad accorgerci dei nostri artisti solo quando è la distanza storica a convincerci della loro importanza.
La prova di novembre: Van Gogh e Cézanne tornano sul mercato
Nei prossimi giorni avremo un’altra occasione per capire quanto sia solida la domanda di grandi capolavori.
Il 18 novembre 2026 Sotheby’s presenterà a New York la collezione di Nelly Arrieta de Blaquier e Carlos Pedro Blaquier, una raccolta di opere impressioniste e postimpressioniste costruita a partire dagli anni Sessanta.
Tra i protagonisti della vendita ci sono Châtaigniers en fleurs di Vincent van Gogh, dipinto ad Auvers-sur-Oise nel maggio 1890, e Arlequin di Paul Cézanne, uno dei dipinti in cui l’artista ritrae il figlio Paul vestito da Arlecchino.
Secondo le valutazioni riportate dall’agenzia AP, le due opere potrebbero raggiungere rispettivamente circa 180 e 120 milioni di dollari. Per capire la portata: il record attuale per Van Gogh è di 117,2 milioni, pagati all’asta da Christie’s nel 2022 per il Verger avec cyprès della collezione di Paul Allen.
La collezione comprende anche lavori di Monet, Renoir, Pissarro, Gauguin e Degas. Ancora una volta ritroviamo caratteristiche ormai familiari: artisti storicizzati, provenienze prestigiose e opere rimaste per decenni lontane dal mercato. Se la vendita avrà successo, sarà un ulteriore segnale della forza del segmento più alto, ma non dimostrerà, da sola, che l’intero mercato dell’arte sia tornato in salute.
Per capirlo bisognerà continuare a osservare anche ciò che accade fuori dalle grandi aste: nelle gallerie, nelle fiere meno conosciute, negli studi degli artisti e nelle transazioni che non finiscono sulle prime pagine dei giornali.
E chi non ha cento milioni da spendere?
A questo punto qualcuno potrebbe chiedersi che cosa c’entri tutto questo con chi vuole acquistare un’opera d’arte con un budget di mille, tremila o cinquemila euro. C’entra parecchio, perché mentre i record milionari attirano l’attenzione dei media, una parte importante del mercato continua a vivere di acquisti molto più accessibili.
E la riduzione della pressione speculativa su alcuni artisti emergenti potrebbe offrire ai collezionisti l’occasione di tornare a scegliere con maggiore tranquillità.
Non vuol dire che i prezzi continueranno a scendere: vuol dire che si può tornare a guardare l’arte senza avere sempre la sensazione di dover comprare prima che il prezzo raddoppi.
Visitare mostre, incontrare gli artisti, entrare nelle gallerie, informarsi sulle loro ricerche, confrontare opere e prezzi: sono attività che richiedono tempo, curiosità e attenzione, ma non necessariamente grandi patrimoni.
E sono anche il modo migliore per evitare uno degli errori più comuni: comprare soltanto perché un nome è di moda o perché qualcuno promette che le sue quotazioni cresceranno.
Ne ho parlato anche nei miei 10 consigli per investire in arte: conoscere il percorso dell’artista, capire chi sostiene il suo lavoro, verificare la provenienza dell’opera e valutare se il prezzo richiesto abbia un senso.
Aggiungerei un consiglio ancora più semplice: prima di acquistare un’opera, chiediti se continueresti a volerla anche sapendo che tra dieci anni potrebbe valere esattamente quanto l’hai pagata. Se la risposta è sì, probabilmente hai già una buona ragione per comprarla.
Un mercato più ricco non significa necessariamente un’arte più ricca
Il mercato dell’arte nel 2026 è tornato a crescere, ma questa ripresa racconta soprattutto il ritorno della fiducia in una parte ben precisa del mercato: quella dei grandi collezionisti che possono permettersi opere rare, prestigiose e dalla reputazione consolidata.
Non significa che tutte le gallerie stiano vendendo di più, che gli artisti emergenti abbiano maggiori opportunità o che acquistare arte sia diventato più facile per tutti. La Storia dell’arte segue tempi e logiche diversi da quelli delle aste e dovremmo smettere di misurare la salute dell’arte soltanto attraverso i record di vendita.
Perché un mercato capace di vendere un Klimt a 236 milioni di dollari è certamente un mercato capace di muovere enormi capitali. Ma non è detto che sia un mercato capace di sostenere altrettanto bene gli artisti che stanno lavorando oggi.
La domanda più importante, secondo me, non è quanto vale oggi un Van Gogh, ma quali opportunità stiamo offrendo agli artisti che potrebbero diventare i Van Gogh di domani.
Del resto, per chi compra arte, il principio rimane quello di sempre: goderla con il cuore, comprarla con la testa.
E tu cosa ne pensi? Questa ripresa è una buona notizia per l’arte oppure soprattutto per chi ha già un Van Gogh in salotto?
Bibliografia
- Art Basel e UBS, The Art Market Report 2026, a cura di Clare McAndrew, marzo 2026.
- Art Basel e UBS, Survey of Global Collecting 2026, ottobre 2026.
- Deloitte, Il mercato dell’arte e dei beni da collezione, Report 2026.
- Finestre sull’Arte, Mercato dell’arte 2026: aste in crescita del 71%, luglio 2026.
- Sotheby’s, Risultati della collezione Leonard A. Lauder, novembre 2025.
- Christie’s, Risultati delle aste di maggio 2026.
- Sotheby’s, The Blaquier-Arrieta Collection, vendita del 18 novembre 2026.
